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Le lien. Quels sont les liens qui unissent deux amants, deux êtres, des êtres ? Comme saisir le lien qui se forme, se déforme et se reforme dans la relation amoureuse ?
Ces questions traversent la nouvelle série de Clément Denis, « Desseins de corps » dans laquelle il cherche à saisir la complexité des sentiments amoureux à un instant T. C’est une représentation ambiguë de la passion qui se dessine ; mélange de chair, mélange d’émotions… on retrouve ici la relation qui unit les trois personnages principaux dans la Confusion des sentiments de Stefan Zweig où l'amour, l'amitié, et l'admiration composent le tableau d'une passion.
Cet instant T est le moment du présent et, en même temps, un enchevêtrement des expériences et des relations amoureuses passées. La question du temps, récurrente dans le travail de l’artiste, ressurgit ici sous la forme d’une esthétique de la multitude qui est formalisée par la technique du tressage. Clément Denis déchire, détruit, deux peintures pour reconstituer à partir de ces fragments amoureux un nouveau tableau temporel de l’amour.

Cette sculpture est le fruit de la combinaison de nos deux démarches artistiques. En effet, elle mélange plusieurs matières et techniques, et permet ainsi de donner lieu à une cohabitation plutôt inattendue, entre l’organique de la fleur en argile, et l’inorganique du fil de métal. Tandis que l’un exprime la vie, et par conséquent ce qui est destiné à mourir, l’autre au contraire, va davantage faire écho à une violence destinée à perdurer, de par son état de non-vivant. Cette alliance incongrue permet à Éclosion mortelle de voir le jour. Sculpture dans laquelle tout s’oppose, ces deux éléments vont pourtant être amenés à évoluer au sein d’une même harmonie. Nous avons donc pensé notre œuvre afin d’illustrer au mieux la lutte menée par ces deux matériaux. En effet, les fils et les pétales se développent l’un dans l’autre, chacun essayant de prendre le dessus. Pour ce faire, nous avons disposé les fils de sorte à ce qu’ils griffent, coupent, parfois même arrachent les pétales, tout en essayant eux-mêmes de grandir. Les pétales sont, quant à eux, assemblés afin de montrer l’effet d’étouffement qu’ils exercent sur les tiges de métal. Cette naissance devient dès lors néfaste, en effet, ces deux éléments si différents tentent de se développer tout en se déchirant de l’intérieur, ils ne veulent pas continuer à grandir ensemble et pourtant, ils ne peuvent se défaire l’un de l’autre.

Dans cette vidéo, les plans sont dévoilés sans son, et s’enchaînent dans un rythme uniquement guidé par le silence. Ce silence ne vise aucunement à être pesant, mais au contraire à alléger le spectateur, lui permettant de se reconnecter à l’essentiel. Le temps s’immortalise, les plans se font longs, invitant à la contemplation. L’agencement des images a pour but de former un tout harmonieux, et de créer une poésie visuelle, une mélodie qui ne passe que par la vue. Par instants, des sons de vagues ou de discussions viennent accompagner les images. Comme bribes d’un écho lointain, il s’agit de souvenirs qui résonnent dans notre mémoire et qui envahissent notre esprit dans des moments de nostalgie. Pour ce travail, je me suis intéressée au motif dessiné par les ombres sur des fragments de lumière. Leur caractère transitoire et éphémère leur confère toute leur beauté, une beauté du fugace. Ce fugace se voit pourtant s’associer au répétitif, à une récurrence permanente. En effet, les ombres reviennent à chaque journée, mais leur apparition est temporaire, vague, tout comme ces instants de rêverie si difficiles à saisir par l’âme, qui s’éteignent si rapidement dès lors qu’on en prend conscience, mais qui persistent et restent profondément ancrés en nous. Certaines séquences sont volontairement floues, et proposent une traduction de ces instants de mélancolie où notre pensée s’élance hors de la sphère des mots, et se laisse submerger par des réminiscences, des restes du passé.

J’ai transféré une photographie prise dans un village au Liban d’une maison abandonnée. J’ai voulu établir un dialogue avec ce lieu en m’y représentant à la recherche de mes origines. Le transfert confère un côté intemporel presque irréel à mon travail, tout comme la figure fantomatique s’approchant des escaliers.

Ce travail est centré sur le mouvement, avec deux plans qui interagissent : la photo et la toile. La main, qui incarne ici le mouvement, s’élance vers un inconnu qui lui échappe, exprimé par l’espace blanc qui s’éloigne de plus en plus pour finalement abandonner la main dans l’ombre. Le fil qui lie les photos à la toile semble suivre ce mouvement, donnant l’illusion que la photo même s’élance dans la direction de cet inconnu.
Mais cela ne reste qu’une illusion : les photos sont statiques sur la toile et figent le mouvement de la main dans le temps et dans l’espace, prouvant ainsi que l’élan de la main, pour retenir ce quelque chose qui lui échappe, était futile.

J’ai pris des photographies en plein cœur de Beyrouth de bâtiments aujourd’hui en ruines et laissés à l’abandon, mais qui ont eu un passé riche sur le plan culturel et social : ils sont emblématiques de la période de prospérité des années 50 et 60 durant laquelle le pays a connu une ouverture culturelle et un élan de modernité. En transférant les photographies et en travaillant le papier en suivant les lignes de structure et de perspective, j’ai voulu à la fois figer dans le temps et donner un côté intemporel à ces traces urbaines et architecturales. Par l’intégration d’éléments rouges, j’ai souhaité évoquer le passé de ces bâtiments, les faire revivre au présent.

1&2 : Le Théâtro est un théâtre emblématique au passé prestigieux. Construit dans les années 20 dans le centre-ville, très endommagé pendant la guerre civile, et abandonné depuis, il est aujourd’hui très abîmé. J’ai dessiné un tissu rouge autour d’un poteau, et des rideaux rouges aux fenêtres pour évoquer ce passé.

3 : L’ « Œuf » est ce qui aurait dû être le plus grand centre commercial du Moyen Orient dans les années 60, avec son cinéma en forme de bulle futuriste. Cependant les travaux n’ont jamais été achevés du fait de l’irruption de la guerre en 1975. Scène de bataille pendant la guerre, ce lieu constitue néanmoins un lieu de mémoire important pour les Beyrouthins. C’est également un symbole de la révolution libanaise qui a débuté en octobre 2019, puisqu’il a été réinvesti par la jeunesse pour des conférences, des concerts, etc. L’« Œuf » ne serait-il donc pas la métaphore du Liban d’aujourd’hui ?

Par ce travail, j’ai voulu faire le parallèle entre construction et déconstruction, passé et présent, photographie et dessin.

Pas de texte spécifique, l’artiste travaille dessus dans le cadre de sa première monographie mais rien n’est terminé pour le moment; c'est une série issue d'un cycle de peintures traitant de la migration, de ce qui est, et de la difficulté de voir les choses pour ce qu'elles sont (pour faire simple) des groupes d'hommes fragiles en errances.

« Je t’aime. Tu le sais n’est-ce pas ? Jamais je ne te ferais de mal, tu es la chose la plus précieuse à mes yeux. N'oublie pas, je t’aime du plus profond de mon cœur, alors s’il te plaît, reste avec moi. Tu n'as pas le droit de m'abandonner, je te l'interdit».

Violence, souffrance, horreur, séquelles.
Deux tableaux placés à hauteur des yeux permettent de rendre la scène plus immersive. Ces toiles en l'apparence différentes retracent pourtant la même histoire, celle d'un enfant traumatisé des violences qu'il a subi. Ses séquelles sont telles qu'elles le poursuivent jusqu'à l'âge adulte, où il n'a pas réussi à s'en défaire. Figé par le métal, il est condamné à porter ce fardeau. Les plaies de l'enfance n'ont pas cicatrisées, elles ont au contraire pris de l'ampleur, tandis que de nouvelles sont apparues. Les hématomes ont fini par laisser des marques, comme indélébiles, ils ne l'ont jamais quitté. Finalement, rien n'a trop changé, personne n'est intervenu, les gens ont préféré agir comme s'ils étaient aveugles à ses coups, sourds à ses cris et muets face à ses souffrances. L'indifférence a eu des répercussions, jamais cet enfant n'aura la chance de guérir, de grandir, de vivre.

L'histoire d'un "Je t'aime" qui n'a jamais été aussi violent.

Capter l’essence au corps-à-corps.
Saisir les instants de l’éternelle matière , inlassablement fixe, permanente à l’ennui.
Une lampe braquée sur le fruit, la lumière tamisée interroge, elle chauffe sans y croire la peau rugueuse qui résiste à tout. L’orange fière ne cille pas. Coriace, désespérément lisse, l’agrume ne transige pas, ou si peu.
L’apparence résiste, la pulpe stagne. Le vif tissu s’assèche : le voilà qui construit sa carapace redoutable pour figer l’image immortelle de l’orange intronisée dans sa chair.
Une semaine s’écoule. Rien. Puis deux, trois ; un mois. Rien. Nul effet perceptible sur l’orange inflexible face à la marche du temps qui semble suspendu, incohérent quand il ne parvient pas à infléchir la ténacité de cette peau visiblement immortelle. File, file le temps file, et jamais la métamorphose attendue ne se déploie.
Octobre passe, vient novembre : l’orange, elle, demeure comme éteinte, décalée, hors du temps.
Sacré pied de nez à la nature.
Suprême est une œuvre contemplative qui invite à la méditation sur la vanité du vivant, inattendu et subversif. Le temps s’avère désarmé face à la plastique qui s’en joue.
Le terme « suprême » désigne ce qui est au-dessus de tout, et que rien ne peut dépasser. Il est le substrat sublimé qui a résisté. Le suprême, c’est l’absolu, ce qui demeure, l’essence la plus intense et la plus vivement ressentie qui se révèlera à l’ultime instant avant de disparaître et s’éteindre. Dans le temps dissipé, voilà que l’on cherche le vestige qui s’attarde, celui de l’orange qui s’impose et reste.

Immortelle incarne une vanité des plus vives. Elle endosse les hauts accents d’une effigie funeste, parcelle votive dévolue à un rite étrange dont on ne sait que trop rien.
Les matières, hasardeusement réunies sont comme suspendue dans un instant incertain. Une plaque de bois est fendue d’un clou de métal lui-même orné d’un voile plastique et supportant vaillamment un lourd amas d’argile emmaillotté de filaments de chanvre et de coton mêlés.
Linceul pétrifié, la grave pellicule translucide s’alourdit d’un ensemble d’impressions et de sombres amas coagulés tandis que les veines ligneuses s’habillent de symboles concentriques aux accents tribaux, rappelés sur l’argile à nu là où le filtre d’acrylique s’efface.
Un alphabet géométrique se déploie, univers de formes alignées comme autant de marques corporelles primitives. Elles semblent dire le crime fulgurant de la matière frappée de stupeur face au temps modeleur.
Les ficelles ambivalentes enserrent comme elles enlacent, soutiennent le poids figé de la sculpture et l’enferment désespérément entre leurs liens. C’est une capture soudaine, une violente prise : celle d’une forme vaguement humaine, chair morte devenue entité autre encore innomée, déjà pétrifiée dans le filtre noir et huileux, son existence à jamais suspendue. Les parcelles à vif abandonnées de leurs artifices révèlent l’argile asséchée. Une fois, la terre claire a bu l’encre tracée : il a fallu raviver la mémoire, reformer les signes, répéter vainement le discours exprimé avant qu’il ne disparaisse de nouveau sous l’effet du temps, implacable tyran engagé dans son processus de systématique reformulation du vivant.
A présent, un temps est passé : on en contemple les ruines.

À l’interminable liste des angoisses existentielles du quotidien s’ajoute la perpétuation de notre mémoire et de notre identité par delà la mort, en d’autre termes, que restera-t-il de nous, humains ? J'omets sciemment les multiples considérations métaphysiques que tous les cultes et toutes les religions ont déjà tant exploré, je leur préfère la vie conférée par une mémoire collective ou la recherche. Aussi l’archéologue découvrant les ossements d’un de nos lointains ancêtres rappelle son existence physique, mais comme cette connaissance est lacunaire ! La vie, le rang social, le genre même de l’individu peut tout à fait nous échapper, il ne nous reste au fond qu’une forme anthropomorphe dégagée des roches. Les deux compositions réalisées ont donc souhaité manifester ce processus de désidentification. Elles ont été essentiellement conçus au fusain, substance dont la provenance même évoque l’enfouissement et les transformations relatives au temps, de même que la manière de la travailler, par frottements de couches successives.
Formation #1 est donc une représentation séquentielle de la perte d’identité par la disparition successive des attributs qui nous permettent une interaction avec un milieu extérieur. Il reste ainsi une forme brute, aboutissement commun de chaque individu mais qui pourrait aussi bien en être l’origine.
Formation #2 traite du corps lui-même et de sa trace. La forme est alors imprimée, vestige en négatif de l’existence physique.

Voilà ce qui peut Rester de nous à la fin de notre vie. Un être… un être ayant oublié tous les gestes élémentaires de la vie. Un être qui ne sait plus marcher, qui n’arrive plus à s’habiller et s’alimenter seul. Un être qui ne sait plus vivre seul. Certes, il ne s’agit pas d’une règle s’appliquant à toutes les personnes âgées, mais je crois qu’en cherchant à décrire les différents stades de dépendance dans notre vie, nous pouvons remarquer qu’après un certain âge, les êtres humains se dégradent jour après jour, jusqu’à arriver au même stade de dépendance que celle d’un nouveau-né.

J’ai voulu évoquer le comportement d’un Homme à la fin de sa vie par une analogie entre l’écorce des arbres et les rides d’une personne âgée. J’ai tenté de mimer les gestes que l’on fait lorsque l’on aide les personnes âgées, afin de faire prendre conscience aux spectateurs de ce que devient un être au stade ultime de sa vie. Enfin, les brindilles qui divergent en partant de la branche, pourraient faire allusion à un arbre généalogique, soit le processus de transmission d’un être envers les générations futures.

Que reste-t-il d’une personne lorsqu’elle est écartée de la société, esseulée par des individus ? Elle est considérée comme un reste, devient inutile et décalée. On ne la voit plus comme une personne à part entière. Quand on devient un reste, on nous accorde peu d’intérêt, c’est pourquoi le regard des gens évolue dans la performance pour finir par se désintéresser de l’individu isolé.

Il était au début inclus dans la société, mais au fil des pressions, chocs et interactions, plus ou moins violentes, le groupe et chaque individu le rejettent. Lors de la performance, les agents s’entrechoquent entre eux, mais progressivement leurs actions, de plus en plus violentes, se concentrent contre la personne esseulée. Le silence qui règne provoque un sentiment inattendu et pesant, voire gênant, car l’on pourrait s’attendre à une expression ou une oralisation de la peine ressentie. Ce silence permet une focalisation de l’attention du spectateur sur les gestes des agents, et les actions semblent suspendues.

Bien que la performance ne dure ici que quelques minutes, à l’échelle d’une vie humaine ce type de processus dure plus longtemps.

Nous avons souhaité dénoncer la menace que représente la société consommatrice actuelle, avec bien trop souvent l’utilisation puis, le rejet d’objets fabriqués dans des matériaux néfastes à notre planète.
Lorsque le spectateur se situe en dessous de l’œuvre, il peut ressentir cette menace en questionnant tout d’abord la stabilité et la solidité de l'œuvre, et dans un second temps, après observation de l'œuvre une méfiance des objets accrochés qui ont l’air tranchants. Ces déchets plastiques ont l’apparence d’armes et pourraient donc blesser le spectateur. L’objectif que nous nous sommes fixées lors de la réalisation de cette œuvre était de faire comprendre que la menace sur l’environnement, si l’on suit nos habitudes, deviendra une menace pour nous, d’où le choix du titre.

Ça marque, ça reste en nous, ça se fige ou ça bouge, ça se cristallise sous une certaine forme, ça se tait, ça reste suspendu, terré dans un coin de nous, et ça y est, ça sort, d’un coup, comme ça sans prévenir. Il faut mettre des mots dessus ? Tout dire ? Le laisser dans les limbes du souvenir, parce que même quinze ans après c’est toujours aussi vif ce sentiment d’avoir mal fait, de ne pas avoir pu bien le faire, prendre son temps, le mauvais partenaire ? Préférer trouver une nouvelle première fois parce que celle ci,… ah non pas elle !
Elle, elle a le défaut d’avoir été trop sincère, trop tendre, mais si brutale dans sa tendresse.

C’est le souvenir un peu dégueu d’un premier « roulage de pelles », terme pas très heureux, certes, mais assez juste pour qualifier toute l’intensité charnelle de ce premier baiser, de cette entrée un peu brutale dans le désir et le plaisir du corps de l’autre. Et de tout cela il ne reste que l’empreinte d’un souvenir bouleversant et inavoué.

Un jour, je me suis séparée de mon amoureux.
Nous avons beaucoup pleuré.
Puis, petit-à-petit, nous nous sommes réconciliés.

Au centre de cette performance, on trouve les processus de réconciliation et de pardon, où le corps et l’esprit sont en proie à la tristesse et au doute, affaiblis et fragilisés.
Ce processus s’inscrit dans ce qu’on pourrait rapprocher d’un rite à travers les actions effectuées dans la performance.
Ainsi, ces mouchoirs sont ce qui reste des larmes versées, ils évoquent les sentiments ressentis dans un tel moment; les déplier, les lisser, les caresser et les recoller participe alors pour moi à un moyen de guérir tout en me mettant face à la difficulté de réparer un objet abîmé par la tristesse, à ce moment-là un bout de papier, précédemment moi.
L’objet final traduit une volonté de repartir à zéro, un choix de recommencer en laissant tout de même visibles les traces laissées par cette rupture. Autrement dit, j’ai décidé de rester sans oublier les restes.

Cette toile représentant une main qui tient le cou de quelqu'un, exprime la volonté de retenir une personne. J'ai peint la personne au centre en faisant des mouvements horizontaux pour faire écho à son envie de fuir. En opposition, le bras est réalisé en effectuant des mouvements verticaux, ce qui exprime la volonté de forcer la personne à rester à cet endroit. Le fond de la toile est peint avec des mouvements circulaires évoquant l'hésitation dans laquelle se trouve la personne : elle veut partir, mais elle est retenue, elle ne sait plus quoi faire. J'ai fait une opposition entre le haut de la toile et le bas, opposant horizontalité et verticalité. Tandis qu’une partie cache la tête de la personne, le bas voile le corps. L’envie de s’évader est confrontée au fait d’être contraint de ne pas bouger.